DENIS DIDEROT .. LA RELIGIOSA ....... POR RITA AMODEI

Esta película rodada en 1966 y basada en la novela de Danis Diderot del mismo nombre.Narra las vicisitudes de una novicia que es obligada a entrar en un converso de clausura sin tener vocación para ello, A través de toda un serie de de terribles y dolorosa situaciones desencadenadas por sus compañeras de noviciado el autor nos muestra toda la vida de miseria sexual que se vive en los conventos de clausura. En la película podemos ver a un joven Paco Rabal.en el papel de confesor del último convento al que la joven novicia Suzanne es enviada ++++++++++++++

DENIS DIDEROT . LA RELIGIOSA ........... POR RITA AMODEI

3 +La religiosa de Denis Diderot Enviado por ComparteLibros el 2012-09-18 00:00:00 Libro La religiosa de Denis Diderot: sinopsis, críticas y descargas También publicada como La monja A Suzanne Simonin no le espera el matrimonio, ni la vida acomodada de sus hermanas. A Suzanne Simonin sus padres le reservan la clausura de un convento. Empobrecido tras las generosas dotes concedidas a las dos hermanas mayores —y sin garantías de su paternidad—, el señor Simonin obliga a Suzanne a tomar los hábitos pese a su absoluta falta de vocación. Como si de una larga carta de Suzanne Simonin se tratara, Diderot presenta en primera persona las torturas que la convención y el fanatismo imponen a una joven novicia contra su voluntad. Terrible sátira de los conventos, Diderot describe en esta novela situaciones y acontecimientos que la prensa católica de la época no ocultaba y que alcanzan una intensidad inimaginable.

MICHEL SARDOU . LAS POSESAS DE LOUDUN ......... POR RITA AMODEI

MICHEL SARDOU . LAS POSESAS DE LOUDUN .....POR RITA AMODEI

Las Posesas De Lodun. Michael De Certau +++++++ La historia es una forma de verdad o de mentira según, el que investigue, el que escriba, el que la viva o el que la maneje a su conveniencia; contando el que la interpreta, al que le da vida y continuidad, y hasta el que da su muerte con rastro o sin él. Como afirmo Foucault: “Es posible imaginarse una cultura en donde los discursos circularían y serian recibidos sin que nunca aparezca la función del autor. Todos los discursos, cualquiera que sea el tratamiento que se les imponga, se desarrollaran en el anonimato del murmullo” en esta cita se lleva a diferentes dimensiones para el caso el discurso se asocia con el murmullo el cual no es discurso y el la conversión se altera. La historia como ciencia social se integra a otras disciplinas de forma iniciativa, intervenida y concluyente es decir como triada del conocimiento está siempre presente por eso extenso abordaje desde el lenguaje es fundamental para la interpretación del pasado. La alteridad del lenguaje y su estudio se convierte en un punto de ruptura de las continuidades epistémicas de la historia ya que muestra al “otro” con voz propia y hasta casi imposible de interpretar; ya que el realmente escuchar al otro es descifrar su verdadera intención comunicativa y en que contextos los expresa, el lenguaje siempre estuvo alterado gracias al cautiverio del poder sobre conocimientos únicos o verdades principalmente de orden religioso y científico así que los fenómenos relevantes dentro de lo cotidiano tenían una respuesta a este orden epistémico, sin embargo las voces reales de los intérpretes de ciertos lenguajes, ni siquiera eran voces. De Certau plantea un análisis de las posesas de Lodun, al ser un evento casi de orden colectivo de los conventos de Ursulinas del sur de Francia en el siglo XIII, donde se evidencia posturas teóricas e hipotéticas desde el punto del poder del conocimiento, ya fuera este el demonológico, el médico o el psicológico. Entrándose más allá de la vida. ++++ Las posesas del convento de Loudun Poco antes de llegar a su fin el primer tercio del siglo XVII se produjo en Fran­cia una autentica epidemia de posesio­nes satánicas que se centraron, casi exclusivamente, en diversos conventos para uso de jovencitas de la mejor socie­dad. Destacó entre todos el convento de ursulinas que se encontraba en la ciu­dad de Loudun, y lo entonces sucedido atrajo en estos últimos años la atención de psiquiatras, teólogos, escritores y cineastas. En aquellos días en que era normal todavía enviar a las brujas a la hoguera, mucha gente comenzó a dudar de que anduviera de por medio la mano de Satanás en la supuesta locura de las monjas. Hubo personas sensatas que pensaron en la histeria y en la continen­cia sexual de las pobres muchachas. En 1630, el convento era el último lugar a donde pudiese penetrar el dia­blo. Las monjas pertenecían en su totalidad a la aristocracia y entre ellas estaba madame de Sazilly, nada menos que sobrina del cardenal Richelieu, ministro y hombre de confianza de Luis XIII. La superiora del convento, la reli­giosa de más edad, era sor Juana de los Angeles, que no cumplía aún los treinta años de edad. Era hermosa además de joven, pero sabía imponer una rígida disciplina que se traducía en penitencias, ayunos y mortificaciones. Castigaba la menor infracción a las reglas y nadie en Loudun criticaba aquella severidad que sólo podía traducirse en mayor santidad del convento. La superiora conocía cuan peligrosas pueden ser las asechanzas del Maligno. Conocía lo sucedido unos años antes en un con­vento del sur de Francia, en la pobla­ción de Aix-en-Provence, también de ursulinas, y no estaba dispuesta a permitir que ocurriese lo mismo con sus monjas. Se mostraba tan rigurosa en el trato infligido a las religiosas, en su intento por ahuyentar las ideas pecaminosas, que la superiora provocó sin querer un estado de tensión nerviosa cercano al desequilibrio del cual iba a ser ella la primera en sufrir las consecuencias. Todo comenzó a partir de la muerte del anciano abate Moussant, confesor de las monjas, cuyo espíritu, según decían las religiosas, comenzó a aparecer por las noches.y a provocar carreras locas y gritos. Que un santo varón como había sido el abate Moussant se presentase a ho­ras tan intempestivas significaba que estaba sufriendo los tormentos del pur­gatorio y que no le permitían todavía la entrada al Cielo. Esto no podía admi­tirlo la superiora, así que dedujo lo siguiente: no era el difunto quien venía a visitarla, sino Satanás disfrazado de abate, seguido por una legión de mal­vados demonios. Y el diablo disfrazado de abate si­guió visitando a las ursulinas hasta el día que dio paso a un nuevo confesor, muy conocido en Loudun. La ciudad de Loudun, cercana a Poitiers, en el sur de Francia, se había enajenado ya el odio feroz de Richelieu, amo de Francia, desde el momento en que se negaron las autoridades a derribar sus murallas. Lo sucedido con las monjas carmelitas de su convento sirvió de pretexto al cardenal para meterse en el lugar y liquidar a algún que otro enemigo.

RADIO NACIONAL ARGENTINA : TEATRO LAS DOS CARATULAS . J. C. GENE : GOLPES A MI PUERTA -----------POR RITA AMODEI

JUAN CARLOS GENE . GOLPES A MI PUERTA ........ POR RITA AMODEI

Nombre real Juan Carlos Gené Nacimiento Buenos Aires Argentina 6 de noviembre de 1929 Fallecimiento Buenos Aires 31 de enero de 2012 (82 años) Ficha en IMDb Juan Carlos Gené (6 de noviembre de 1929, Buenos Aires, Argentina - 31 de enero de 2012) fue un actor y dramaturgo argentino, con destacada actuación gremial y política. Fue presidente y secretario general de la Asociación Argentina de Actores, director general de Canal 7 y director general del Teatro San Martín de Buenos Aires. Fue director del CELCIT, encontrándose a cargo de su Instituto de Estudios Teatrales para América Latina, con sede en Bolívar 825, Buenos Aires (Barrio de San Telmo). Algunas de las obras de la que es autor como escritor son La Raulito, Cosa Juzgada, Golpes a mi puerta, El inglés, El sueño y la vigilia, Ulf, etc. ÍndBiografía ----Nació en Bulnes 1929, en la Ciudad de Buenos Aires, en un hogar de origen radical. Asistió a colegio religioso. Tuvo dos hermanos. Su amor por el arte cree que le vino por un mucamo hijo de gallegos de una familia de guardabarreras de Mar del Plata. Se llamaba Alonso y era comunista. Alonso le leía libros: Salgari, etc.[2] En la década del sesenta se destacó como dramaturgo y actor, con recordados trabajos actorales en las películas Tute Cabrero y Quebracho, así como libretista de Cosa Juzgada por televisión y en cine con La Raulito. Debido a la dictadura militar que se instaló en Argentina en 1976 Gené debió exilarse, radicándose en Venezuela, donde residió hasta 1993. Allí fundó en 1983, el Grupo actoral 80, integrado al CELCIT, con actores como Fermín Reyna y Aroldo Betancourt. Regresó a su país en 1992, desempeñándose como director general de Canal 7 y director general del Teatro San Martín de Buenos Aires. Dirigió el Instituto de Estudios Teatrales para América Latina, del CELCIT, con sede en Buenos Aires (Barrio de San Telmo).[3] Estilo ---Su obra Todo verde y un árbol lila (2007), está escrita a partir de una serie de cartas reales de un niña judía perseguida en Europa en la década del 30, que intenta desesperadamente emigrar hacia Buenos Aires, pero debido a la resistencia de la autoridades argentinas a permitir la inmigración de judíos, y que termina siendo asesinada por los nazis. En la obra Juan Carlos Gené estaba presenta como autor y director, conversando libremente con el público y orientándolo sobre las circunstancias de los hechos

RASPUTIN ..... POR RITA AMODEI

GREGORIO RASPUTIN . PROFECIAS . RECOPILO RITA AMODEI

Las profecías de Rasputín Sin lugar a dudas es interesante y en cierta medida entretenido conocer las profecías (y tratar de interpretarlas) de quien en un tiempo tuvo por breves momentos todo el poder del imperio ruso, siendo incluso más sorprendente las extrañas circunstancias que le llevaron a tal situación, como su origen humilde, sus notorias experiencias sexuales con la aristocracia y los viajes que le iniciaron en los misterios de la mente; más extraño aún fue el modo en que partió de este mundo al tener que sufrir "varias muertes" antes de que por fín su cuerpo expirara. También es bueno darse cuenta de que la generalidad con la cuál están diseñadas cualquier tipo de profecías hace probable que pasado un extenso período de tiempo éstas se cumplan de una u otra manera. A continuación algunas de las profecías más llamativas de Rasputín: Profecías de la degradación del hombre "... Cuando se hable mucho del hombre, será el tiempo en que se descuidará el hombre. Y cuando se hable del bienestar, será el tiempo en que un malestar sutil serpenteará entre la gente. Montañas de palabras se gastarán para nada, y trampas entre palabras confundirán los caminos del buen sentido. Muchos hombres serán destruidos por las pestilencias; muchos hombres serán destruidos por las armas, y muchísimos serán destruidos por las áridas palabras. Porque, cuando los tiempos maduren, el hombre será rico de lengua, pero pobre de corazón". "... Cuando los tiempos estén cercanos al precipicio, el amor del hombre hacia el hombre será una planta seca. En el desierto de aquel terreno florecerán solamente dos plantas: la planta del provecho y la planta del egoísmo. Las flores de estas plantas podrán ser, sin embargo, cambiadas por las flores de la planta del amor. Toda la humanidad, en este tiempo maldito, será engullida por la indiferencia. ¡Ay entonces de los que sufran, de los ancianos, de los inválidos, de los afligidos de corazón, porque estarán solos en un mar de gentes! ¡Y ay de los puros de corazón, de los simples, de los hombres con el corazón de niño, porque serán ultrajados y ridiculizados! Cuando oscurezca el triste día del homo-sapiens, no quedará más que el desierto de la nada, porque precisamente la planta del amor fraterno estará muerta desde hace tiempo. (Y el amor fraterno es la Gran Medicina. Las Verdades de Dios son hechas distintas por los hombres, pero la llama es única). Grijorij Efimovich, también conocido como el "Monje Loco" o Rasputín "El Depravado" devoto como era a las ciencias ocultas de la mente, realizó una serie de profecías para el futuro de la humanidad. Profecías de la degradación de las sociedades "... Los hombres están caminando hacia la catástrofe. Serán los menos capaces quienes llevarán las riendas. Así será en Rusia, igual que en Francia, en Italia y otros lugares... La humanidad será aplastada por el alboroto de los locos y de los malhechores. La sabiduría será encadenada. Serán el ignorante y el prepotente quienes dictarán la ley al sabio y también al humilde. Y después, la mayor parte de los hombres creerán en los potentes y no creerán más en Dios... El castigo de Dios llegará tarde, pero será tremendo. Y esto sucederá antes de que nuestro siglo acabe. Después, finalmente, la sabiduría será desatada de las cadenas y el hombre volverá de nuevo a confiar plenamente en Dios, como el niño se confía a su madre. Siguiendo este camino, el hombre llegará al paraíso terrestre". Profecías de Guerras "... Dos príncipes sanguinarios tomarán posesión de la Tierra: Wiug vendrá de Oriente y volverá esclavo al hombre con la pobreza; Graiug vendrá de Occidente y volverá esclavo al hombre con la riqueza. Los príncipes se disputarán la tierra y el cielo y el terreno de la gran batalla será en la tierra de los cuatro demonios. Los dos príncipes serán vencedores y los dos príncipes serán vencidos. Pero Graiug entrará en casa de Wiug y sembrará sus antiguas palabras, que crecerán y devastarán la tierra. Así terminará el imperio de Wiug... Pero llegará el día en que también el imperio de Graiug será destruido, porque las dos leyes de vida eran equivocadas y ambas producían la muerte. Tampoco sus cenizas se podrán utilizar para cultivar el terreno, sobre el cual crecerá la nueva planta de la tercera luz" Dada la gran variedad de novedosas armas (biológicas, de destrucción masiva, de comunicaciones, etc. ) no es difícil que las viejas profecías de Rasputín encajen perfectamente en algún nuevo avance en el campo militar. Profecías de tecnología "... Cuando vuelen las imágenes, madurará un fruto venenoso, y serán muchos quienes lo comerán. Y el fruto venenoso transformará a los hombres en animales, incapaces de alzar la cabeza al cielo... Las imágenes que vuelan consumirán las fuerzas del hombre, pero el fruto venenoso embriagará al hombre. Y cuando todo haya acabado, el hombre se volverá a encontrar cansado y desgarrado, más hambriento que antes." "... Sentiréis a los hombres invocar la noche, pero la noche no llegará. Sentiréis a los hombres invocar la calma, pero ésta será el fruto que bien pocos podrán saborear... El mundo se convertirá en una máquina que transformará la vida en un polvo venenoso. Y el ruido de la máquina será como el de una cascada, que penetra con el viento en cualquier palacio y en cualquier cabaña... El tiempo de la doble espiga será condenado a la luz perenne y a la caída" " El útero de la mujer será como la tierra de los ríos; estériles serán ambos. y ello será incluso una gracia, porque el útero no estéril y la tierra no estéril parirán monstruos. Día desventurado será aquél en que el útero materno será comercializado, como se comercializa la carne de los bovinos. en este tiempo, el hombre, criatura de dios, se convertirá en criatura de la ciencia." " El aire que hoy desciende a nuestros pulmones para llevar la vida, llevará un día la muerte. Y llegará el día en que no habrá montaña ni colina; no habrá mar ni lago que no sean envueltos por el hálito fétido de la Muerte. Y todos los hombres respirarán la Muerte, y todos los hombres morirán a causa de los venenos suspendidos en el aire. " Profecías de nuevos órdenes "...Pero en la ciudad de las siete torres se desatará una chispa que enseñará una nueva palabra y una nueva ley. Y la nueva ley enseñará al hombre una nueva vida, porque en la casa nueva no se podrá entrar con los hábitos viejos. Y cuando el sol se ponga, se descubrirá que la nueva ley es la antigua ley y que el hombre había sido creado por esta ley". " Toda revolución pretende romper las cadenas de la esclavitud, pero una vez rotas, ya están preparadas otras cadenas... desde los tiempos de las cavernas nada ha cambiado. y nada cambiará, porque siempre se impondrá el más hartero, el más astuto y, a menudo, el más corrupto. Y según la condición del pueblo, llevará el vestido de la dictadura o de la democracia. Pero el hombre será siempre esclavo, aunque tenga la ilusión de ser libre...un día resurgirá el hombre libre, pero el pueblo será siempre." " En ese tiempo volverán los grandes sembradores para esparcir la simiente. Pero una parte de la tierra estará humeante y un tercio de la simiente se quemará. Otra parte de la tierra será estéril y la simiente morirá. pero la tercera parte dará cosechas tan copiosas como nunca habían sido vistas sobre la tierra. En este tiempo, toda la tierra estará bajo el signo de un evangelista, la gran isla estará bajo la sombra del león; pero el león perderá las garras, la tierra justa y el corazón de europa." Rasputín no es el único que habla de la destrucción por el fuego de una tercera parte de la tierra. También en el Apocalipsis de San Juán se habla de la misma profecía. Sin embargo, es posible que tomara esta conocida profecía para presentarla como suya.

P. ARGENTER . RASPUTIN EL MONJE VISIONARIO ...........POR RITA AMODEI

El monje visionario (1869-1916) Escrito por: P.Argenter Leído 74.820 veces. Breve biografía de Rasputín, el monje visionario en la decadencia del Imperio Ruso, conocido como el “Monje loco”. Gregori / Grigori Yefimovich Novikh Rasputín, nace el 22 de enero de 1869 o el 29 de julio de 1872 en Tumén, Pokróvskoie (Siberia). Su familia era de origen campesino y se formó por sí sólo. De muy pequeño sentía que la virgen María le llamaba y le hablaba. Sus visiones le hicieron muy popular. Predicó el futuro y decía sentir la unión entre la virgen María y el hombre. Dicen quien le conoció, que era un hombre de talla alargada y muy fuerte, así como su carácter. Le apasionaba tanto las mujeres como el vino. Aprendió a hipnotizar a la gente con su mirada y hacer que hicieran lo que él deseaba. Muy pronto se hizo con un grupo que abandonaban también a sus familias para seguirle, como si fuera enviado por Dios para salvar a la humanidad. Con menos de veinte años se casa con Proskovia Fyodorovna. Por entonces su vocación religiosa se vio temporalmente apartada justo hasta unos años después de ser padre de cuatro niños. abandonó a su familia en 1901 y viajó a Grecia y a Tierra Santa para poder formarse junto a monjes ortodoxos. De camino a su madre Rusia, mendigó por los campos y los campesinos le ofrecían cobijo y comida. Dicen que él pagaba la ayuda ofrecida por los más pobres, ayudándoles a mejorar o a curar sus enfermedades y preocupaciones. En 1903 visita St. Petersburgo y se instaló en una pequeña habitación donde prosiguió con su ayuda hacia los más necesitados. No desistió de conocer al conocido inspector de la Academia de Teología en St. Petersburgo, monseñor Teofán. Pronto se haría con la confianza del religioso que le propinó que las puertas de las familias más acaudaladas de la ciudad se abrieran a él sin problema alguno. Conocido como un hombre santo y escogido por Dios, se fue haciendo un nombre hasta que en 1904, ante la enfermedad del heredero del trono, Rasputín es presentado a la Zarina Alexandra Fiodorovna, una mujer muy religiosa y muy supersticiosa. Al principio y tras visitar al zarévich, la zarina no creyó en los atributos y visiones del monje, pero en una de las ocasiones en que fue llamado a palacio, Rasputín curó de forma temporal al infante, según dice, mediante la hipnosis. Rasputín pidió a la zarina que se postrara ante Dios y la virgen y suplicara de rodillas por su hijo. Después de aquello fue admitido por la zarina y el zar a vivir dentro de palacio para poder asistir al zarévich, enfermo de hemofilia, heredada de su madre; pero no las tenía todas consigo, ya que el Zar Nicolás II nunca se fió del todo de él y santón lo sabía, tan solo que dejo que el monarca se dejara influenciar por su esposa para poder seguir junto a ellos. Pronto, en 1907 y siguiendo la influencia que la zarina tenía del monje, le colocarían en un cargo público con poder en el gobierno del zar. En el tercer centenario del cumplimiento de los Romanov ante el trono de todas las Rusias, Rasputín fue colocado en un lugar de honor y destacado cerca a la familia imperial. La familia imperial con Nicolás II. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, el zar fue informado de la muerte de los archiduques herederos al imperio austro-húngaro. Al principio el monarca no quiso entrar en guerra, puesto que para él, sería muy difícil y muy duro enfrentarse a sus primos los otros monarcas europeos. Visto que ya nada dejaba entre ver que Rusia entraría en guerra, el zar encabezó el ejército mientras que Rasputín se dedicó a controlar el gobierno, de forma casi absoluta. La fama contradictoria que creó contra la familia imperial por parte del pueblo ruso, hizo que fuera menospreciado junto a los Romanov. El pueblo se levantó en armas, la pobreza, el descontrol político, la inseguridad en Rusia creó que los pre revolucionarios se dispersara y crearan focos de anarquistas. La corte rusa se escandalizó por su forma de llevar el gobierno, por el poder que había adquirido, por sus hazañas libertinas y otras aventuras. Un día en que se sintió liberado de la ayuda de la virgen, comunicó preocupado a la zarina de aquella sensación. Pronto la zarina le haría ir a la capilla real para ver al Pope y visto que Rasputín, en aquel momento, perdiera la cordura, la monarca y el Pope le echarían seguidamente de palacio. Sintiéndose frustrado y abandonado por su protectora; sermoneado por la iglesia ortodoxa por sus atroces visiones, llamándole “Monje endiablado”, no aceptaría peticiones del pueblo ni de la corte para acudir a sus fiestas ni para servir como sanador. Volvió a centrarse por su gusto por las mujeres y por ello, originó muchos disgustos a la corte rusa. El conocido príncipe Félix Yusupov preparó la forma para quitárselo de en medio, y acompañado por un grupo de hombres de la corte del zar, preparó un plan. Llamó a Rasputín a visitar el palacio Yusupov y visitase a una sobrina del zar que se encontraba indispuesta. Le condujeron hasta el sótano para cenar junto al príncipe. Le colmaron de ricos manjares y de muchos litros de vino, la gula era su perdición. Parece ser que entre la comida, su anfitrión mandó colocar cianuro, un veneno mortal que acabaría con su vida. Pero Rasputín, cuidadoso y viendo que ningún invitado ni Yusupov probaban nada, tomo la decisión de no tomar él la iniciativa. Visto que parecía ser que no querían probar si él no lo hacía antes, admitió una copa de vino de Krimea y otra de Madeira. Seguidamente empezó a comer y a beber ante la atenta mirada de los otros invitados y a cantar a causa de la gran cantidad de vino ingerido. Murió poco tiempo después de ingerir el veneno, el 30 de diciembre de 1916. Otros historiadores aclaran que aún habiendo bebido y comido tanto acompañado por el cianuro, el veneno no le hizo un efecto inmediato, y que pudiendo salir con sus piernas del palacio, corrió hacia un lugar desconocido, siendo disparado por Yusupov y los suyos, hasta que cayó al suelo mojado por la nieve que se iba derritiendo. Una vez muerto, su cuerpo fue tirado al río Neva. Cuando se encontró su cadáver, dicen que le quisieron extraer su corazón y que se sirvieron de su miembro inferior, el cual fue guardado. Dicen en Rusia, que esa parte inferior de él se muestra actualmente en un museo erótico de la ciudad. Sus últimas predicciones alarmó a la familia imperial, ya que consideraba que veía muy pronto el fin de la familia Romanov y que todos morirían. Parece ser que fue enterrado en una fosa, cerca del palacio de St. Petersburgo con la única compañía de la zarina y un monje. Tras aquello comenzaría la Revolución Rusa, con el descontrol del pueblo ruso. Una de ellas, aclamó que si él muriese en manos del pueblo, el Zar podría seguir reinando así como sus descendientes. Por otro lado si muriese en manos de nobles rusos, la vida monárquica en el país tenían los días contados. Y así ocurrió. Rusia entró en la Revolución Rusa y Lenin se hizo con el poder, acabando con los Romanov. PARA SABER MÁS: PELICULAS & AUDIOVISUALES: -“Rasputín” de Don Sharp (1966) con Christopher Lee. -“Rasputín” de Elem Klimov (1976) con Aleksei Petrenko, Anatoli Romashin. -“Rasputín” con Alan Richman e Ian Mac Kellen (1996) de Uli Edel para TV. -“Rasputín” el musical norteamericano con John Hurt. LIBROS: -“Rasputín” de Gilbert Maire (2004)- en castellano. -“Rasputín”- Ensayo de Edvard Radzinsky. -“Rasputín. Los archivos secretos” de Edvard Radzinsky. -“Rasputín- Diario secreto” de Alexandr Kotsiubinski & Danil Kotsiubinski. - “Locos de la historia” de Alejandra Vallejo-Nájera. (Un apartado sobre la vida de este personaje)

STENDHAL ..ROJO Y NEGRO ----POR RITA AMODEI

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STENDHAL . ROJO Y NEGRO ....... POR RITA AMODEI

Rojo y Negro (Le Rouge et le Noir) es una novela de Stendhal, publicada a mediados de noviembre de 1830. La trama se desarrolla en la Francia del siglo XIX durante la década de los treinta, y se articula en torno a las ambiciones de un joven para elevarse sobre la pobreza de su nacimiento. El título del libro podría aludir a los colores de los uniformes del ejército (rojo) y de los sacerdotes (negro). La obra se juzga como una de las mejores de la narrativa francesa, ejemplo de novela psicológica; influyó a muchos escritores del Realismo, en particular a León Tolstói, y ya en el siglo XX a André Gide. Rojo y negro está protagonizada por Julian Sorel, hijo de un Carpintero del pueblo ficticio de Verrières. Narra los esfuerzos de Julian por ascender de condición social pese a su juventud, diciendo a los demás lo que quieren oír y haciendo lo que desean verle hacer. La novela se divide en dos "libros". Primera parte[editar · editar fuente]Epígrafe, Rojo y Negro, Crónica de 1830. Stendhal arranca planteando con precisión el decorado de la pequeña ciudad del Franco Condado: Verrières, en el Río Doubs, y la situación social y política, la definición de la atmósfera que ayudan a formar el estado mental del protagonista. Julien Sorel es el tercer hijo del viejo aserrador Sorel, quien desprecia las cosas intelectuales, y por lo tanto a Julien, que revela dotes muy altas para los estudios. A diferencia de sus hermanos, el niño no está hecho para el trabajo pesado, y su curiosidad lo lleva a obtener instrucción por todos los medios posibles (lo que su padre Sorel llama perder el tiempo). El muchacho recita de memoria el Nuevo Testamento en Latín, gozando de la protección del cura del pueblo, Chelan. Por otra parte, devora en secreto el Memorial de Santa Elena, ya que admira sin límites a Napoleón Bonaparte, considerándolo a la vez como Dios y como un modelo exitoso. El abate Chelan lo recomienda al alcalde de Verrières, Monsieur de Rênal, como preceptor de sus hijos; más tarde, irá al seminario para iniciar la carrera eclesiástica. Estos son los comienzos de Julian Sorel en el mundo de la burguesía provincial. A pesar de su timidez natural, se las arregla para seducir poco a poco a la señora de Rênal, una joven hermosa, pero tímida e ingenua. La vida en el Castillo Rênal se caracteriza por su profunda pasión por la señora de Rênal y también por su ambición. Él sueña con convertirse en un nuevo tipo de Napoleón Bonaparte, pero su vida está dominada por la hipocresía: debe ocultar sus sentimientos por la anfitriona y su admiración por Napoleón. En el castillo, el joven se gana el corazón de los niños con rapidez y toma el hábito de pasear al anochecer en compañía de la señora Luisa Rênal, quien se sorprende agradablemente cuando trata de darle un regalo. El orgullo de este joven soñador provinciano le gusta y se enamora de él sin darse cuenta. Pero el temperamento orgulloso y complicado de Julien pronto lo arruina todo: el señor de Rênal le propone un aumento salarial temiendo que su rival político le haya ofrecido el mismo trabajo que tiene ahora, siendo rechazado por Julien, y por otra parte, rechaza los avances de Elisa, la criada de la señora Luisa Rênal, ya que aspira a conquistar el corazón de la señora. Elisa decide difundir un rumor basado en los sentimientos que animan a su ama y Julien hablando con los opositores al Alcalde Rênal. Mientras Julien se ha convertido en un hombre de moda en Verrieres (cobrando cada vez más), el señor de Rênal recibe un anónimo denunciando el adulterio de su esposa, que ya es real aunque los difamadores no tienen pruebas. Si bien al alcalde de Verrières le parecen cuentos de fantasía, decide separarse de su preceptor. Julien,con el asesoramiento del padre Chélan, entra en el seminario mayor de Besançon. Antes de salir, tiene un último encuentro secreto con la señora Luisa Rênal, aparentemente muy fría, pero que le profesa un profundo amor. Julien confunde reserva con indiferencia. En el seminario de Besançon, Julien es odiado por sus compañeros, la mayoría campesinos, según él la especie de muertos de hambre cuya aspiración suprema es "la cena de café con huevos y tocino". El abate Pirard, quien dirige el seminario, percibe la ambición de nuestro héroe y lo protege. Pasa muchos momentos dolorosos hasta que el abate Pirard le ofrece ser secretario del marqués de La Mole. Marcha a París para tomar posesión de su cargo con el aristócrata. Segunda parte[editar · editar fuente]El marqués de La Mole,en el barrio de Saint Germain, es una figura influyente en la vida parisina, y rápidamente nota la inteligencia de Julien. Allí conoce a Mathilde, hija del marqués, una personalidad de la juventud parisina notable y aristocrática. Debido a su hermosura tiene muchos pretendientes, pero la aburren y acaba enamorándose de Julien, a pesar de su origen. Ella lo ve talentoso, ingenioso y orgulloso, lo cual contrasta con la apatía aristocrática de sus conocidos. Julien, que la desprecia porque se ve como un criado para ellos, paradójicamente se enamora de ella al tiempo que la compara desfavorablemente con la señora de Rénal, a la que añora. Ambos viven un romance tumultuoso mientras el marqués aumenta progresivamente su confianza en Julien. Al final, tiene que confesar a su Padre que está embarazada y le advierte su deseo de casarse con el joven secretario. Mathilde NO puede convencer a su padre, pero, a la espera de una decisión que no sea deshonrosa ni humillante socialmente, el marqués se ennoblece y otorga a Julien un cargo de teniente de húsares en Estrasburgo. Al mismo tiempo, el hijo del Aserrador, se convierte en el caballero Julien de Vernaye. Cuando todo parece que va a arreglarse, el marqués de La Mole rechaza categóricamente cualquier idea de matrimonio tras recibir una carta de Madame de Rênal denunciando (por consejo de su confesor) la inmoralidad de su ex amante devorado por la ambición. Julien, desesperado, va a Verrières rápidamente. Durante la misa entra en la iglesia y dispara a Luisa Rênal, su antigua amante. Creyéndola muerta, Julien espera en la cárcel el día de su juicio. Mathilde va a verlo una vez al día con un seudónimo (Sra. Michelet), luego bajo su nombre real. Intenta pagar su absolución y trata de convencer al hombre de mayor influencia, el Vicario General de Besançon. Los arranques de heroísmo de Julien aburren a Mathilde, quien se da cuenta de que persiste el amor de Julien por la señora de Rênal. Por su parte, la señora de Rênal trata de dar pruebas a favor de Julien por escrito al jurado que sería un error castigarlo por sus actos "torpes". A pesar de la opinión pública de apoyo a la causa del joven Sorel, el señor Valenod (parte del jurado) condena a Julien a la guillotina, principalmente a causa de un discurso provocador denunciando la casta y el orden establecido. Tras la sentencia, Mathilde y Madame de Rênal confían en la apelación, pero Julien sólo piensa ya en la guillotina y en el futuro del hijo que ha de nacer. Madame de Rênal, que se estableció en Besançon, a pesar de las reticencias de su marido, logra obtener el permiso para ir a ver a Julien y le manifiesta que su amor por él nunca ha menguado. Justo después de la ejecución de Julien, Fouqué (su amigo de toda la vida) compra el cadáver al verdugo. Mathilde le pide ver los restos del padre de su hijo, entonces agarra la cabeza de Julien y le da besos en la frente. Entierra la cabeza de Julien en la cumbre del Jura, en una gruta cerca de Verrières donde Julien Sorel vivía. Madame de Rênal fue fiel a su promesa, sin embargo tres días después de la ejecución, muere abrazando a sus hijos. Temas principales y estructura[editar · editar fuente]Le Rouge et le Noir es, en cierto modo una novela de su tiempo. La trama se desarrolla alrededor de los antecedentes históricos de los últimos años de la Restauración borbónica y de los acontecimientos del 27, 28 y 29 de julio de 1830 que terminaron en la instauración de la Monarquía de Julio. El argumento está motivado por las tensiones entre la propia tendencia republicana de Julien Sorel -en particular, su lealtad nostálgica a Napoleón- y las conspiraciones de los aristócratas Católicos legitimistas, en particular los marqueses de la Mole y sus partidarios jesuitas, que representan el extremo opuesto político; y sin embargo a cuyos intereses Julien acaba por servir. Si bien este contexto histórico es tratado muy alusivamente por Stendhal (que da por sentado la familiaridad de su lector con la política de Francia del momento), también considera que es lo suficientemente importante como para subtitular la novela "Crónica de 1830" (por desgracia, el subtitulo no se reproduce en todas las ediciones). Los lectores que deseen leer un tratamiento menos cauteloso de estos temas históricos debería leer la inconclusa novela de Stendhal, Lucien Leuwen (publicada póstumamente, pero escrita entre 1834 y 1835), que ofrece una clara exposición de las tensiones políticas de la época. El tema principal de la novela es, por otra parte, atemporal. Le Rouge pregunta en repetidas ocasiones la posibilidad, e incluso la conveniencia, de la sinceridad: la mayoría de los personajes y, en particular Julien, son muy conscientes de la necesidad de desempeñar un papel especial a fin de obtener la aprobación de los que le rodean (aunque no siempre con éxito). La palabra "hipocresía" se repite en este contexto y aunque el significado de este término era más limitado en la Francia del siglo XIX de lo que es hoy (se refería concretamente a la afectación de los máximos sentimientos religiosos, como cualquier diccionario del siglo XIX lo atestigua) puede ser entendida como la palabra clave en una novela donde las locuciones de los personajes y sus pensamientos más íntimos están, con mucha frecuencia, en contradicción. En su libro “Mentira romántica y verdad novelesca (Mensonge romantique et vérité romanesque, 1961), el crítico y filósofo René Girard identifica otra de las claves en la estructura temática de Le Rouge et le Noir, a la que él denomina deseo triangular o "mimético". Desde el punto de vista de Girard, la novela de Stendhal revela cómo en cualquier individuo el deseo por otro siempre es "mediado" por un tercero –dicho crudamente, que deseamos algo (o a alguien), porque vemos que alguien más desea exactamente eso. Esta teoría intenta dar cuenta no sólo de la aparente perversidad de la relación entre Mathilde y Julien, en particular el episodio en el que Julien inicia el cortejo de Madame de Fervaques a fin de provocar celos en Mathilde, sino también la fascinación con que Julien aspira a la alta sociedad que tanto desprecia. La mayoría de los capítulos comienza con epígrafes que parecen ser citas de literatura, poesía, o frases pronunciadas por personajes históricos notables. En realidad, el propio Stendhal escribió la mayoría de estos epígrafes, pero los atribuyó a los escritores a quienes supuso capaces de escribir o de decir tales cosas. Stendhal dejó los últimos cuatro capítulos sin título, que son también los únicos en los que omite la epigrafía. Las fuentes de la novela · editar fuente]Stendhal inventa poco y como Flaubert, otro gran realista, busca en los hechos reales acaecidos las fuentes de sus novelas. En el caso de Rojo y negro, los eruditos stendhalianos encuentran tres fuentes. 1.La primera y más importante es el crimen de un antiguo seminarista, Antoine Berthet, que asesinó a su amante, de cuyos hijos era preceptor. Fue condenado a muerte el 15 de septiembre de 1827. 2.Otra fuente de la misma índole es un crimen perpetrado en 1829: un ebanista, llamado Lafargue, asesinó por celos a su amante. Stendhal, en su libro "Paseos por Roma" hace numerosos comentarios sobre dicho proceso. 3.Como fuente para las relaciones entre Julian Sorel y Matilde de La Mole, es el idilio entre una sobrina del rey Carlos X, con Edouard Grasset, y de la fuga de ambos a Londres y la negativa final de la sobrina a casarse con su amante. Adaptación cinematográfica[editar · editar fuente]Existe una adaptación cinematográfica, rodada en 1954, dirigida por Claude Autant-Lara e interpretada por Gérard Philipe y Danielle Darrieux. Otra adaptación de esta novela, que fue llevada a la televisión, fue en el año 1997, dirigida por Jean-Daniel Verhaeghe e interpretada por el actor italiano Kim Rossi Stuart y la actriz francesa Carole Bouquet. En Cuba fue llevada a la televisión a finales de la década de 1980 con las actuaciones protagónicas de Evelio Taillacq (Julien Sorel), Martha del Río (Madame Renal) y Susana Pérez (Mathilde de la Mole).

OSCAR WILDE . LA IMPORTANCIA DE LAMARSE ERNESTO .....POR RITA AMODEI

AQUI PUBLICAMOS DOS VERSIONES DE LA MISMA OBRA TEATRAL DE OSCAR WILDE . UNA CORRESPONDE A LA DISTINGUIDA DE TEATRO INGLES OSCAR WILDE Y LA OTRA AL CICLO LAS DOS CARTULAS , LAS DOS CARATULAS CORRESPONDE AL GENERO DE TEATRO RADIAL QUE TIENE MAS DE 60 AÑOS EN EL AIRE SE EMITE POR RADIO NACIONAL DE LA REPÙBLICA ARGENTINA DESDE HACE VARIOS AÑOS ESTA COMPAÑIA ESTA DIRIGIDA POR UNA DAMA DEL TEATRO Y DE LA CULTURA LA ACTRIZ NORA MASSI QUIEN A GRANDES ACTORES Y BRILLANTES ESCRITORES PONE SU IMPRONTA DE ERUDICION Y TALENTO ARTISTICO . RITA AMODEI Radioteatro del ciclo "Las dos carátulas" de Radio Nacional Argentina. La importancia de llamarse Ernesto,una comedia trivial para gente seria. Es una obra de Oscar Wilde . Estrenado el 14 de febrero de 1895 en San James Theatre de Londres, es una comedia absurda en la que los protagonistas mantienen personajes ficticios para eludir onerosas obligaciones sociales +++++++++ +++++++++++++++

OSCAR WILDE ... LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO ------ POR RITA AMODEI

La importancia de llamarse Ernesto, cuyo título original en inglés es The Importance of Being Earnest, es una obra de Oscar Wilde escrita en 1895. Es una comedia que trata sobre las costumbres y la seriedad de la sociedad. Está dividida en tres o cuatro actos (dependiendo de la edición) e inspirada en el libro Engaged de William Schwenck Gilbert. Ubicada en la Inglaterra de la época victoriana, la trama se desarrolla alrededor del protagonista John (o Jack) y Ernest, su hermano ficticio. Las obras anteriores de Wilde lo habían encumbrado en la cima del éxito, por lo que no se esperaba algo nuevo del dramaturgo. En aquel entonces, la prensa era feroz en su búsqueda de nuevos personajes y argumentos, prestando gran atención a los detalles. Para combatirla, Wilde bautizó la obra bajo el título de Lady Lancing y usó nombres de pueblos costeros para los personajes principales y la ubicación de la obra (el apellido del protagonista, Worthing, está tomado de la ciudad donde Wilde residía cuando escribió la obra). Fue la última comedia que escribió Wilde y está considerada uno de sus mejores trabajos. Se estrenó por primera vez en el 14 de febrero de 1895 en el St. James' Theatre de Londres, tres meses antes de que Wilde fuera condenado a prisión por indecencia grave. Traducciones[editar · editar fuente]Su traducción literal sería La importancia de ser serio. El título en inglés tiene un doble sentido que se pierde en la traducción, ya que el nombre «Ernest» y la palabra «earnest» (serio) son homófonos, es decir suenan igual. En las traducciones a distintos idiomas, el nombre del protagonista cambia para conservar el doble sentido, como sucede en castellano en la traducción de Alfonso Reyes, La importancia de ser Severo; o en catalán, La importància de ser Frank, pues en catalán el nombre «Frank» y la palabra «franc» (honesto) son homófonos. El título bien pudo haber sido traducido al castellano como La importancia de llamarse Honesto nombre derivado del latín cuya traducción sería «noble»; o "La importancia de que te llamen Honesto" en un intento de mantener el paralelismo del término "being" para referirse a nombre de persona y cualidad. Representaciones en castellano[editar · editar fuente]La obra se estrenó en España el 3 de octubre de 1919 en el Teatro de la Princesa de Madrid, con el Sr.Navarro, Camino Garrigó, Concha Zeda y Mercedes Sampedro al frente del cartel. Volvió a representarse en el Teatro Centro de Madrid en 1924 por la Compañía de Enrique López Alarcón. Se repuso en el Teatro Alcázar, también de Madrid, en 1953, bajo dirección de Cayetano Luca de Tena e interpretada por Guillermo Marín, Nani Fernández, Gabriel Llopart, Esperanza Grases, Matilde Muñoz Sampedro y Rafael Bardem. En 1995, una versión de Luis Antonio de Villena es puesta en escena con Gemma Cuervo, Tomás Gayo, Mónica Molina, Jesús Vázquez, María Esteve y Luis Lorenzo. Más recientemente, fue llevada a escena con dirección de Gabriel Olivares e interpretación de Patxi Freytex, Fran Nortes, Yolanda Ulloa y Carmen Morales en 2007. Para televisión, TVE realizó una adaptación emitida el 19 de abril de 1963 en el espacio Primera fila, protagonizada por José Luis Pellicena, Gemma Cuervo, María José Alfonso y Paco Morán. El 17 de diciembre de 1968, se emitió una segunda versión en Estudio 1, con Paco Valladares, Lola Herrera, Margot Cottens, Alfonso del Real, Rafael Navarro y Rosario García Ortega. La tercera y, por el momento última, adaptación para la televisión española data del 13 de marzo de 1984 en el programa La Comedia y estuvo protagonizada por José María Pou, Paco Lahoz, Pilar Barrera, Nina Ferrer, Irene Gutiérrez Caba, Aurora Redondo, Alfonso del Real y Santiago Mendizábal. Adaptación al cine· editar fuente]También fue llevada al cine: La película Al compás de tu mentira, película de Argentina dirigida por Héctor Canziani. En film de 1952 dirigido por Anthony Asquith. Se hizo una nueva versión en 1992 dirigida por Kurt Baker. En la versión en 2002, se lleva a cabo como una comedia romántica dirigida por Oliver Parker.

ARTHUR MILLER LAS BRUJAS DE SALEM ..... POR RITA AMODEI

Estudio 1 de TVE - Las brujas de Salem (de Arthur Miller), con Francisco Piquer, Irene Gutiérrez Caba, Gemma Cuervo, Vicente Soler, Antonio Ferrandis, Tina Sainz, Lola Gaos, y Pastor Serrador. ``````````` +++++++ ++++++ ++++++

ARTHUR MILLER .LAS BRUJAS DE SALEM -- EN MEMORIA DE LA GRAN ACTRIZ ARGENTINA ALICIA BRUZZO QUIEN FUERA PROTAGONISTA DE ESTA OBRA ......POR RITA AMODEI

Las brujas de Salem o El crisol (en inglés: The Crucible) es una obra de teatro de Arthur Miller escrita en 1952 y estrenada en 1953 ganadora del Premio Tony. Está basada en los hechos que rodearon a los juicios de brujas de Salem, Massachusetts en 1692. Miller escribió sobre el evento como una alegoría del macarthismo que sucedió en los Estados Unidos en los años 1950. Los juicios de Salem por brujería aluden a un famoso episodio del período de colonización de los Estados Unidos en 1692 en la aldea de Salem (actual estado de Massachusetts), en el que, como efecto colateral de luchas internas de las familias coloniales y fanatismos puritanos revestidos de paranoia, fueron condenadas a muerte 25 personas acusadas de brujería, en su mayoría mujeres, y se encarceló a un número mucho mayor. El número de acusados por brujería en estos juicios pudo fluctuar de entre 150 y 200 e incluso un número mucho mayor si se consideran los casos de aprisionamiento. Muchas teorías han intentado explicar por qué la comunidad de Salem explotó en ese delirio de brujas y perturbaciones demoníacas. La más difundida insiste en afirmar que los puritanos, que gobernaban la colonia de la bahía de Massachusetts prácticamente sin control real desde 1630 hasta la promulgación de la Carta Magna en 1692, atravesaban un período de alucinaciones masivas e histeria provocadas por la religión. La mayoría de los historiadores modernos encuentran esta explicación cuando menos "simplista". Otras teorías se apoyan en analizar hechos de maltrato de niños, adivinaciones invocando al maligno, ergotismo (intoxicación con pan de centeno fermentado que contiene elementos químicos similares al LSD), el complot de la familia Putnam para destruir a la familia rival Porter, y algunas otras aluden al tema del estrangulamiento social de la mujer. Exactitud histórica de la obra[editar · editar fuente]En el prólogo de la obra el propio Miller señala que ha empleado cierta licencia poética para condensar el número de personas involucradas en los procesos, y que ha aumentado la edad de Abigail de 12 años para que el argumento pudiera salir adelante. Enfatiza que su objetivo es mostrar la naturaleza esencial de uno de los episodios más extraños y horribles de la historia de la Humanidad. Esta historia está bien documentada en los registros de los juicios de la Salem de hoy. Paralelismos históricos[editar · editar fuente]Al igual que John Proctor, Miller rehusó revelar los nombres de los componentes de un círculo literario sospechoso de tener vínculos con el Partido Comunista ante la Comisión de Actividades Antiamericanas en 1956, acogiéndose a la protección constitucional. Título de la obra[editar · editar fuente] Crisol.En inglés el título de la obra es The Crucible, que literalmente puede ser traducido como El crisol. Un crisol es una cavidad en los hornos que recibe el metal fundido. El crisol es un aparato que normalmente está hecho de grafito con cierto contenido de arcilla y que puede soportar elementos a altas temperaturas, ya sea el oro derretido o cualquier otro metal, normalmente a más de 500 °C. Algunos crisoles aguantan temperaturas que superan los 1500 °C. También se denomina así a un recipiente de laboratorio resistente al fuego y utilizado para fundir sustancias. Se emplea para extraer los elementos puros de las imperfecciones a través del calor. En la obra, John Proctor se enfrenta a un proceso que pone en peligro su propia vida, y cuando prefiere morir a traicionar su conciencia se aprecia que él también ha atravesado el fuego para acabar purificado. Temas[editar · editar fuente]La obra de teatro presenta varios temas íntimamente conectados entre sí. En primer lugar tenemos la histeria de las chicas. Al ser sorprendidas bailando por la noche en el bosque por el reverendo Parris, las chicas se asustan y enferman. Mister Hale, otro reverendo, es requerido para el caso y, sin saberlo, ofrece a las chicas una manera (Did someone force you to do this?) para salir del lio y escapar del castigo —una paliza—: la caza de brujas. Hale de hecho les dice que deben decir si vieron a alguien con el diablo, y que si hacen esto estarán haciendo el trabajo de Dios. Esto tiene un gran impacto en las chicas. La escena que más claramente muestra esto es justo antes de que Abigail empiece a gritar nombres al final del primer acto: 'Abigail se levanta, como inspirada, y grita...'. Otro tema principal es el honor. Para las personas de la obra, el honor se encuentra principalmente en sus nombres. Al comienzo de la obra, Abigail insiste a su tío (el reverendo Parris) que '¡Mi nombre es bueno en el pueblo! ¡No permitiré que se diga que está manchado!'. Al final de la obra, el reverendo Parris quiere por todos los medios que John Proctor firme su confesión, diciendo al juez Danforth que 'Es un nombre de peso; la aldea quedará anonadada al ver que Proctor confiesa'. Esto también se puede apreciar claramente cuando John Proctor habla del valor de su nombre: '¡Porque es mi nombre! ¡Porque no puedo tener otro en vida![...]¿Cómo puedo vivir sin mi nombre? ¡Les he dado mi alma! ¡Déjenme mi nombre!' El honor es un tema clave en esta obra, especialmente teniendo en cuenta que al final de la misma muchos de los personajes morirán debido a su honor y su lealtad para con los demás. Representaciones[editar · editar fuente]En teatro, cine y televisión La obra se estrenó el 22 de enero de 1953 en el teatro Martin Beck de Broadway en Nueva York, Estados Unidos el junio de 1953 con Janet Alexander, E.G. Marshall, Madeline Sherwood, Fred Stewart y se hizo acreedora al Premio Tony. En 1958 se estrenó una versión más larga off-Broadway[1] El último revival en Broadway estuvo protagonizado por Liam Neeson y Laura Linney en 2002 dirigida por Richard Eyre. El estreno europeo fue en Bruselas en 1954, a Miller le fue negado el pasaporte para asistir al estreno[2] En 1955 se estrenó en París por Raymond Rouleau con Simone Signoret, Yves Montand en el teatro Sarah Bernhardt. En 1954 se estrenó en Londres en el Old Vic dirigida por Warren Jenkins con Rosemary Harris y en 1965 fue dirigida por Laurence Olivier con Colin Blakeley y Joyce Redman[3] En Alemania se estrenó en 1954 dirigida por Fritz Schröder-Jahn con Benno Sterzenbach (John Proctor), Marlene Riphahn (Elizabeth), Dorothea Moritz (Abigail Williams). En 1957 fue llevada al cine en adaptación de Jean Paul Sartre por Raymond Rouleau con Simone Signoret, Yves Montand y Mylène Demongeot[4] En 1959 en televisión británica con Susannah York (Abigail), Sean Connery (Proctor), Barbara Chilcott (Elizabeth Proctor). En 1967 fue llevada a la televisión por George C. Scott, Colleen Dewhurst, Melvyn Douglas y Tuesday Weld[5] En 1996 la obra fue llevada al cine por la Twentieth Century Fox, con la dirección de Nicholas Hytner y adaptada por el propio Arthur Miller. La cinta fue protagonizada por Daniel Day-Lewis como John Proctor y Winona Ryder como Abigail. También participan Joan Allen, Bruce Davison y Paul Scofield. La obra le valió una nominación al Oscar a Joan Allen como Actriz de Reparto y una a Arthur Miller a Mejor Guion Adaptado, además de un premio BAFTA para Paul Scofield como Actor de Reparto por su papel del Juez Thomas Danforth. En 2002 el director Joseph Sargent volvio a llevar el tema de Las brujas de Salem en una versión adaptada al cine con un gran elenco conformado por: Kirstie Alley, Jay O. Sanders, Henry Czerny, Peter Ustinov, Shirley MacLaine, Alan Bates, Kristin Booth[6] En teatro en español En España la obra se estrenó en el Teatro Español de Madrid, en diciembre de 1956 y estuvo dirigida por José Tamayo Rivas e interpretada por Francisco Rabal, Asunción Sancho, Andrés Mejuto, Ana María Noe, Berta Riaza, Alfonso Muñoz, Társila Criado, Adela Carbone, Antonio Ferrandis, Manuel Díaz González y Analía Gadé. Se restrenó 51 años más tarde en el mismo escenario, con dirección de Alberto González Vergel y Julián Escribano Moreno e interpretación de María Adánez, Marta Calvó, Sergi Mateu, Lía Chapman, Juan Ribó, Carmen Bernardos, Victoria Rodríguez y Manuel Gallardo. En Argentina, la obra se estrenó con gran éxito en 1973 protagonizada por Alfredo Alcón, Alicia Bruzzo, Leonor Manso y Milagros de la Vega bajo la dirección de Agustin Alezzo en el teatro Blanca Podestá. Posteriormente en 1987, se realizó una adaptación local protagonizada por Arturo Bonín y dirigida por Oscar Fessler. También se produjo en 2012 con Lali Espósito y Juan Gil Navarro interpretando a Abigail Williams y John Proctor, respectivamente. El resto del elenco lo conforma otras figuras de primer nivel como: Rita Cortese, Roberto Carnaghi, Julia Calvo, Oscar Alegre, Carlos Belloso, Carlos Kaspar, Fabio Aste, Alejandro. Fiore]] entre otros. La producción es dirigida por Marcelo Cosentino. Opera y ballet En 1961 se estrenó The Crucible, versión lírica de la obra con música de Robert Ward en Nueva York, ganando el Premio Pulitzer de música. En 2000 se estrenó el ballet del mismo nombre sobre música de Charles Ives en Londres.[7] Miscelanea En la serie de comedia norteamericana Sabrina, la bruja adolescente, el gato parlante de la casa de Sabrina se llama Salem. En la serie, Salem es un brujo que fue sentenciado a vivir cien años como gato, por sus intentos de conquistar el mundo. En un episodio de la serie "Ginger" transmitida por Nickelodeon, los personajes hacen referencia a la obra como parte de una tarea

JEAN BATISTE POQUELIN -- MOLIERE - MEDICO A PALOS ......POR RITA AMODEI

JEAN BAPTISTE POQUELEN .. MOLIERE .. EL MEDICO A PALOS ---- POR RITA AMODEI

El médico a palos (en francés Le médecin malgré lui, literalmente El médico a su pesar) es una comedia-farsa de Molière en tres actos en prosa, representada por vez primera el 6 de agosto de 1666 en el Teatro del Palacio Real. Molière que estaba enfermo al escribir esta obra hace ver en ella su desprecio por la inteligencia. Resumen[editar] El médico a palos grabado de Jean-Michel Moreau.Sganarelle es un leñador de larga barba negra, ingenioso, alegre y bebedor. Trabajó seis años para un famoso doctor, por lo que aprendió algunos rudimentos de medicina y de latín. Martina, su mujer, está harta de sus bribonerías y de sus golpes, así que decide vengarse. La ocasión se le presenta cuando se encuentra con Valerio y Lucas, sirvientes de Geronte, que andan en busca de un médico que cure a la hija de su amo. Martina entonces inventa que Sganarelle es un prestigiado doctor pero un tanto excéntrico. Les dice que a veces llega a negar su profesión, y que vuelve a recordarla después de una buena golpiza. Para convencerles de sus poderes sanatorios, Martina cuenta que Sganarelle ha revivido a los muertos. Lucas y Valerio parten a buscar al extraño doctor, muy felices y esperanzados. Lo encuentran cortando leña, y a pesar de sorprenderles su atuendo rústico y actitud campesina, no dudan de las palabras de Martina. Le explican su situación y le piden que los acompañe. Sganarelle repite una y otra vez que él no es médico, por lo que Valerio y Lucas lo apalean hasta que lo admite. Parten los tres a la casa de Geronte. Los sirvientes le cuentan a su amo los increíbles milagros que Sganarelle ha realizado. La nodriza, Jacqueline, comenta que el mal de Lucinda, hija de Geronte, es mal de amores. Al entrar Sganarelle al recinto, queda inmediatamente alucinado con el gran tamaño de la nodriza, e intenta varias veces tocarla y abrazarla pero Lucas, el marido, se lo impide. Luego llega la enferma, que sólo dice: «han hi hom». El falso médico diagnostica que ha perdido el habla, y al ser consultado por la causa del mal, Sganarelle inventa una larga explicación llena de términos médicos, latinos y otros inventados. Todos quedan satisfechos y admirados del gran conocimiento del doctor. Geronte pide una cura para su hija, ya que la tiene prometida en matrimonio y el novio espera la recuperación de la enferma para desposarla. Sganarelle receta pan con vino, para soltarle la lengua igual que a los loros. Al día siguiente Geronte paga a Sganarelle por sus servicios. Más tarde aparece Leandro, el verdadero amor de Lucinda, y le paga a Sganarelle para que lo ayude. Le cuenta que la enfermedad de la muchacha es un truco para evitar el matrimonio con Horacio, quien por ser más rico que Leandro, es preferido por Geronte para su hija. Leandro ofrece dinero a Sganarelle y este acepta. Leandro se disfraza de boticario y llega junto al falso médico donde Lucinda. La falsa enferma recupera el habla y le dice a su padre que solamente se casará con Leandro, el hombre a quien ama. Geronte se enfurece y no cede. Sganarelle entonces dice que también tiene una cura para esa condición. Le dice al boticario que le de un remedio a Lucinda. Los dos enamorados huyen. Geronte manda ahorcar al impostor. Llega Martina a buscar a su esposo y se encuentra con que van a matarlo. De pronto aparecen Leandro y Lucinda. Vienen a decirle a Geronte que Leandro ha heredado una fortuna de un tío que ha muerto. Geronte se alegra y lo acepta como yerno. Sganarelle se salva de la muerte y todos están felices. Sganarelle perdona a su mujer por los palos que le hizo sufrir debido a que ella elevó su condición al convertirlo en médico Personajes[editar]Sganarelle, esposo de martina Martina, esposa de Sganarelle El señor Robert, vecino de Sganarelle Valerio, criado de Géronte Lucas, esposo de Jacqueline y criado de Géronte Géronte, padre de Lucinda Jacqueline, nodriza en casa de Géronte y esposa de Lucas Leandro, amante de Lucinda Lucinda, hija de Géronte Thibauveracidadt, padre de Perrin Perrin, hijo de Thibaut, campesino.

OSCAR WILDE ..EL ABANICO DE LADY WINDEMERE .....POR RITA AMODEI

+++++++++ Estudio 1 de TVE. El Abanico de lady Windermere, de Óscar Wilde. Intervienen: Mercedes Alons, Luis Fentón, Carmen Elías, José Gorrents, Paquita Ferrándiz, Jorge Serrat, Juan Borrás, Antonio Lara, Victoria Peña, Fernando Ulloa, Alfonso Zambrano, Margarita Torino, Conchita Bardem, María Luisa Solsona, Monserrat Julió, Monserrat Guarro y Luis Padrós +++++

OSCAR WILDE EL ABANICO DE WINDEMERE --- POR RITA AMODEI

El abanico de Lady Windermere es una obra de teatro en cuatro actos de Oscar Wilde, estrenada el 22 de febrero de 1892 en el Teatro St James de Londres. Sinopsis[editar]La obra comienza cuando Lady Windermere descubre que su marido puede estar manteniendo una relación con otra mujer. La duquesa de Berwick es la que ha delatado al marido. Lady Windermere se enfrenta a su esposo y le pide explicaciones, pero éste rechaza las acusaciones e invita a la supuesta amante, Mrs Erlynne, al baile de cumpleaños de su mujer. Ultrajada por la infidelidad de su marido, Lady Windermere decide abandonarlo para seguir a Lord Darlington, un amigo que acaba de confesarle su amor. Tras descubrir lo sucedido, Mrs Erlynne sigue a Lady Windermere hasta casa de Lord Darlington e intenta convencerla para que vuelva con su marido. Tras una discusión en la que finalmente, Lady Windermere cede a la pretensión de regresar al hogar, ambas mujeres deben esconderse, al oír a varios caballeros que se acercan. Entre ellos Lord Windermere y Lord Darlington. Cuando los hombres entran en la casa conversan poco tiempo, pero uno de los amigos de Lord Windermere encuentra el abanico de lady Windermere, y él reconoce el abanico de su mujer, acusa a Lord Darlington de tener a su mujer escondida en algún lugar y exige que el apartamento sea registrado. Entonces aparece Mrs Erlynne y confiesa que ha cogido el abanico por error. De ese modo, sacrifica su reputación para salvar el matrimonio de Lady Windermere. Versiones cinematográficas[editar]En 1948 Luis Saslavsky dirigió la película argentina Historia de una mala mujer basada en la obra. En 2004 se hizo una adaptación ambientada en la costa amalfitana titulada A good woman (una buena mujer, en español), dirigida por Mike Barker e interpretada por Helen Hunt, Mark Umbers, Scarlett Johansson, Stephen Campbell Moore y Tom Wilkinson. Representaciones en castellano[editar]La obra se estrenó en España, con traducción de Ricardo Baeza, en el Teatro de la Princesa de Madrid en 1920, por la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza. Junto a ellos, intervinieron en el espectáculo, entre otros, Josefina Díaz de Artigas, Fernando Díaz de Mendoza y Guerrero y José Santiago. La pieza se repuso en 1929 en el Teatro Centro de Madrid por la compañía de Lola Membrives; en 1931 en el Teatro Español, con Ana Adamuz y María Guerrero López. En 1992 se estrenó una versión libre, de Ana Diosdado, con el título de La importancia de llamarse Wilde. Para televisión, TVE emitió una adaptación el 3 de noviembre de 1967 en el espacio Teatro de siempre, protagonizada por Pablo Sanz, Juan Diego, Víctor Valverde, Luisa Sala, Asunción Villamil, Nicolás Dueñas, Elena María Tejeiro, Paloma Pagés y Raquel Rojo. Una nueva versión data del 6 de febrero de 1981, en Estudio 1, con Mercedes Alonso, Carmen Elías, Luis Fenton y Vicky Peña. Referencias[editar]Wilde, Oscar. Lady Windermere's Fan. publicado en The Importance of Being Earnest and Other Plays. London: Penguin, 1940. ISBN 0-14-048209-1. Enlaces externos[editar] Wikisource contiene una copia de El abanico de Lady Windermere.Wikisource Texto inglés en Wikisource. Texto inglés en el sitio del Proyecto Gutemberg. Crítica del estreno en España en el Diario ABC. Sitio web oficial de Oscar Wilde en español — datos, libros para leer, fotos, colección de frases. IBDB lista de producciones de Broadway. Oscar Wilde en América y Lady Windermere's Fan. Ficha de El abanico de Lady Windermere en Internet Movie Database. : corresponde a la dirigida por Lubitsch en 1925. "Lady Windermere's Fan", de Lubitsch, en el sitio de Internet Archive. Ficha de El abanico de Lady Windermere en Internet Movie Database. : corresponde a la dirigida por Preminger en 1949. Ficha de El abanico de Lady Windermere en Internet Movie Database. : corresponde a la dirigida por Smith en 1985. Ficha de El abanico de Lady Windermere en Internet Movie Database. : corresponde a "A Good Woman".

COLLEEN MCCULLOUGH . LAS DAMAS DE MISSOLONGHI -------- POR RITA AMODEI

Biografía de Colleen McCullough ---Licenciada en Medicina por la Universidad de Sydney, trabajó como neuróloga en el Hospital Royal North Shore de Sydney. Marchó a Inglaterra trabajando cuatro años en el Gran Ormond Street Hospital de Londres, y de allí fue a Estados Unidos para trabajar como investigadora y profesora en la Escuela de Medicina de la Universidad de Yale en New Haven. Mientras trabajaba, comenzó a escribir, publicando por primera vez en 1974, y como consecuencia del éxito obtenido, abandonó su profesión para dedicarse exclusivamente a la escritura, fijando residencia en la isla de Norfolk. Varias de sus novelas, han sido llevadas al cine, y la que le dio fama, El pájaro espino, fue llevada a televisión como serie. Es miembro de la Academia de las Ciencias de Nueva York y de la Asociación Americana para el Avance de la Ciencia +++++++++ Las damas de Missolonghi de Colleen McCullough: Una casa llamada Misalonghi y situada en un pueblecito australiano es el escenario en el que transcurre la vida gris de Missy Wright, en el umbral de su madurez. Pero, inesperadamente, aparecerá en escena John Smith y, con él, despertarán las ilusiones dormidas de una mujer que descubrirá definitivamente el amor